Copo de Cerveja e Cartas de Baralho (1913) Óleo sobre tela - Columbus Museum of Art, Ohio
Juan Gris
A alegria que associamos à cerveja está indicada nessa pintura. Mais uma vez, como comentamos a respeito da pintura de 1914, não vemos a cena completa, e sobretudo não vemos as pessoas que deveriam estar aí. O objetivo do pintor não era nos mostrar um grupo de bebedores em torno de uma mesa de baralho, mas praticamente nos fazer sentirmos dentro da cena. É como se estivéssemos olhando para os mesmos objetos que os jogadores. A centralidade é claramente da caneca, e aqui Gris explorou todas as possibilidades visuais do copo: vemos a caneca completa bem ao centro e, tanto acima quanto à sua direita, vemos o colarinho branco do alto, o perfil da caneca e o contorno da espuma, traçados com uma linha. O contraste da dureza reta da caneca com as curvas da espuma é explorado à farta pela troca de perspectivas e pelos perfis contornados, característico do cubismo.
Retrato do Doutor Paul Gachet (1890) Óleo sobre tela - Coleção Particular
Vincent van Gogh
Inseparavelmente entrelaçado com o último período da vida de Vincent van Gogh em Auvers, o Dr. Gachet era um personagem original. Ele era um médico psiquiatra interessado em quiromancia, mas a sua verdadeira paixão eram as artes. Paul Gachet manteve contato com muitos artistas, incluindo Manet, Monet, Renoir e Cézanne. Van Gogh consultou o Doutor Gachet a conselho do seu irmão Theo, quando recebeu alta do hospital em Saint -Rémy-de-Provence. Infelizmente, o médico não conseguiu ajudar Vincent a superar a sua angústia.
O Sonho (1932) Óleo sobre tela - Coleção Particular de Steve Wynn
Pablo Ruiz Picasso
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Jeanne Hébuterne A mulher do Artista (1918) Óleo sobre tela - Fundação de Arte Norton Simon Pasadena, Estados Unidos
Amedeo Modigliani
A pintura de Modigliani “persegue a verdadeira beleza” da sua mulher, Jeanne.
Retrato clássico de meio corpo, sua figura e seu rosto aparecem modelados em tons quentes e harmoniosos”. Dois planos horizontais de cor dividem o corpo; o inferior tem volume de deusa renascentista, enquanto o superior escuro é “preâmbulo ideal para o longo pescoço e pálido rosto”. O fundo, dividido em dois planos verticais, se contrapõe aos planos do corpo, harmonizando a composição.
Modigliani foi internado já inconsciente no Hospital de la Charité em 22 de janeiro de 1920 e morreu dia 24, de tuberculose meningítica aos 35 anos de idade. Jeanne, grávida de oito meses, foi levada atordoada a casa de seus pais, onde passa a noite e se atira de costas do quinto andar, na manhã seguinte.
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Retrato de Félix Fénéon (1890) - Óleo sobre tela Museu de Arte Moderna, Nova York
Paul Signac
Baile no “Moulin de la Gallette”
(1876) Óleo sobre tela - Paris, Musée d'Orsay
Esta pintura é, indubitavelmente, a mais célebre e significativa obra de Renoir. Foi exibida pela primeira vez no Salon em 1877, na exposição dos impressionistas. Ainda que o rosto de alguns dos seus amigos apareçam na imagem, como o cubano Cárdenas à esquerda dançando com uma moça, e Frank Lamy, Norbert Goeneutte e Georges Rivière sentados à mesa, a intenção de Renoir era captar a vivacidade e a atmosfera alegre desta popular dança de jardim no bairro de Montmartre, nas imediações do Moulin (moinho), hoje celebrizado pela tela. Inicialmente local de vendas de um pãozinho, passou a ser ponto de encontros, unindo bar, restaurante (ativo até hoje) e salão de danças; e dessa forma Renoir representou a belle époque (1870-1914) de Paris na França, um período de grande florescer artístico e econômico
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O Nascimento de Vênus (1485) Óleo sobre tela - Florenz, Galleria degli Uffizi
O Nascimento de Vênus é uma pintura de Sandro Botticelli, encomendada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici para a Villa Medicea di Castello. No quadro, a deusa clássica Vênus emerge das águas em uma concha, sendo empurrada para a margem por Zéfiro, o Vento Oeste, símbolos das paixões espirituais, e recebendo, de uma Hora (as Horas eram as deusas das estações), uma manto bordado de flores. Alguns especialistas argumentam que a deusa nua não representaria a paixão terrena, carnal, e sim a paixão espiritual. Apresenta-se de forma similar a antigas estátuas de mármore, esguia e com longos membros e traços harmoniosos.
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Cigano dormindo (1897) Óleo sobre
tela - Museum of Modern Art - New York
A Cigana Adormecida (em francês: La Bohémienne endormie, título original) é uma pintura a óleo do pintor naïf francês Henri Rousseau (1844-1910). É uma representação fantástica, quase surrealista, de um leão que encontra uma mulher adormecida no chão em noite enluarada. O próprio Rousseau descreveu assim o tema da obra: “Uma negra errante, uma bandolinista, jaz em sono profundo, vencida pelo cansaço, com o seu bandolim e um jarro de água ao seu lado. Um leão que a encontrou cheirou-a, mas não a devora. Há um efeito do luar, muito poético.”
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O Circo (1891) óleo sobre tela
O Circo (em língua francesa: Le cirque Une ecuyere a cheval, un clown et des acrobates) é uma pintura a óleo sobre tela realizada pelo artista francês Georges Pierre Seurat entre 1890-1891. É a última obra deste pintor, que deixou-a inacabada quando faleceu. A técnica utilizada pelo artista é o pontilhismo, ou divisionismo, que é caracterizado pelo uso de pequenas pinceladas justapostas que se fundem na visão do observador. A paleta de cores se resume a quatro cores principais, com seus tons intermediários, em estado puro (ou seja, os tons não eram criados a partir da mistura das tintas na paleta, mas da combinação dos pontos coloridos). Como resultado, predominam no conjunto da obra o amarelo e o violeta, que se complementam.
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Agoule entrando no Moulin Rouge (1892) Óleo sobre cartão
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa (Albi, 24 de novembro de 1864 — Saint-André-du-Bois, 9 de setembro de 1901) foi um pintor pós-impressionista e litógrafo francês, conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX. Sendo ele mesmo um boêmio, faleceu precocemente aos 36 anos de sífilis e alcoolismo. Trabalhou por menos de vinte anos mas deixou um legado artístico importantíssimo, tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras, como também no que se refere à popularização e comercialização da arte. Toulouse-Lautrec revolucionou o design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau.
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Viagem à Emmaüs (1648) Óleo sobre tela - Paris, Musée du Louvre
Rembrandt Harmenszoon
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leida, 15 de julho de 1606 — Amsterdam, 4 de outubro de 1669) foi um pintor e gravador holandês. É geralmente considerado um dos maiores nomes da história da arte europeia e o mais importante da história holandesa.É considerado, por alguns, como o maior pintor de todos os tempos. As suas contribuições à arte surgiram em um período denominado pelos historiadores de "Século de Ouro dos Países Baixos", no qual a influência política, a ciência, o comércio e a cultura holandesa — particularmente a pintura — atingiram seu ápice.
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Mona Lisa (1503) Óleo sobre madeira de álamo - Museu do Louvre
Leonardo da Vinci
Esta pintura foi iniciada em 1503 (terminando-a três ou quatro anos mais tarde) e é nesta obra que o artista melhor concebeu a técnica do sfumato. O quadro representa uma mulher com uma expressão introspectiva e um pouco tímida. O seu sorriso restrito é muito sedutor, mesmo que um pouco conservador. O seu corpo representa o padrão de beleza da mulher na época de Leonardo. Este quadro é provavelmente o retrato mais famoso na história da arte, senão, o quadro mais famoso e valioso de todo o mundo. Poucos outros trabalhos de arte são tão controversos, questionados, valiosos, elogiados, comemorados ou reproduzidos.
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A Torre dos Cavalos Azuis (1913) Óleo sobre tela - Desaparecido
A Torre dos Cavalos Azuis (alemão: Der Turm der blauen Pferde) é uma pintura a óleo de 1913 do artista expressionista alemão Franz Marc. Foi considerado um de seus melhores trabalhos, mas desapareceu em 1945.A Torre dos Cavalos Azuis foi um grande trabalho, 200 por 130 centímetros. A maior parte da imagem é ocupada por uma vista frontal de quatro cavalos principalmente azuis, dispostos em uma fileira à direita do centro, de frente para o observador, mas com as cabeças viradas para a esquerda; o cavalo principal parecia "apenas um pouco menor que o tamanho natural" para pelo menos um escritor. À esquerda de suas nádegas, que formam o centro da imagem, está uma paisagem abstrata; acima dele, há um arco-íris laranja sobre fundo amarelo. O cavalo principal tem uma lua crescente em seu peito e cruzes em seu corpo que sugerem estrelas.
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Passatempo (1892) Óleo sobre tela - Paris, Musée d'Orsay
Paul Gauguin
A arte do francês Paul Gauguin (1848-1903) reflete sua procura pelo primitivo e sua rejeição à civilização. Pintor de fim de semana desde os 25 anos, passou a se dedicar só à arte aos 35, por influência de Camille Pissarro (1830- 1903), no auge do impressionismo. Logo, porém, afastou-se da escola, optando por cores mais vibrantes, tintas puras e contornos negros, linguagem criada com Emile Bernard (1868-1941). Aos poucos, sua escolha de cores tornou-se arbitrária: Passatempo (acima) foi ironizado pelo rio e pelo cão vermelho. A obra é do período que o artista passou no Taiti, em busca de uma espécie de paraíso. Rebelde e inquieto, sofreu com a incompreensão, mas suas obras revelam momentos de felicidade e paz.
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Natureza Morta (1893) Óleo sobre tela - Coleção Privada
O interesse de Cézanne em descobrir as formas geométricas subjacentes à aparência das coisas e de conferir ordem a arranjos pintados, fez dele um soberbo pintor de naturezas mortas. Paul Cézanne afirmou: “Quero impressionar Paris com uma maça”. Esta frase sugere sua visão da arte. O processo pelo qual ele criou suas obras primas começava a partir da sensação da realidade através da cor e das emoções subjetivas para chegar à construção geométrica da natureza.
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A Sagrada Família Com São João Batista (1504) Óleo sobre madeira - Florenz, Galleria degli Uffizi
Esta pintura foi encomendada a Michelangelo, em 1500, por um florentino de nome Agnolo Doni, por ocasião de seu casamento com Madalena Strozzi. O nome da obra, portanto, refere-se ao formato do quadro (tondo: redondo, circular) e ao sobrenome do cliente. A pintura é também conhecida como uma das primeiras obras pictóricas do artista.
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Impressão, nascer do sol (1872)
Claude Monet
Impressão, nascer do sol (do francês: Impression, soleil levant) é a famosa pintura impressionista de Claude Monet, realizada em 1872. A pintura nasceu em Le Havre, porto francês representado na obra, com uma cerrada névoa sobre o estaleiro, os barcos e as chaminés no fundo da composição. A pintura em óleo sobre a tela está exposta no Museu Marmottan, em Paris.
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Retrato de Adèle Bloch-Bauer I (1907) Óleo sobre tela - Coleção Particular de Ronald S.Lauder
O Retrato de Adele Bloch-Bauer I é o primeiro de dois retratos de Bloch-Bauer pintados por Klimt e tem sido referido como o trabalho final e mais plenamente representativo de sua fase dourada. Adele Bloch-Bauer (1881-1925) era uma requintada senhora dos salões vienenses, amante das artes, uma cliente e amiga próxima de Gustav Klimt. Klimt levou três anos para concluir a pintura. Desenhos preliminares datam de 1903/4. O quadro foi pintado em Viena e encomendado pelo marido de Adele, Ferdinand Bloch-Bauer. Como um rico industrial que fez fortuna na indústria do açúcar, ele patrocinou as artes e favoreceu e apoiou Gustav Klimt. Adele Bloch-Bauer tornou-se a única modelo que foi pintada duas vezes por Klimt, quando ele completou um segundo retrato dela, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, em 1912.
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Estados da mente I (1911) Óleo sobre tela
Boccioni passou grande parte de 1911 trabalhando em uma trilogia de pinturas intitulada “Stati d’animo” (“Estados da mente”), que, segundo ele, expressava partida e chegada a uma estação ferroviária – As despedidas, quem vai e quem fica. Todas as três pinturas foram compradas originalmente por Marinetti, até que Nelson Rockefeller as adquiriu de sua viúva e depois as doou ao Museu de Arte Moderna de Nova York.
A Rendeira (1669) Óleo sobre tela na madeira - Paris, Musée du Louvre
Johannes Vermeer
Nesta tela, a rendeira se mostra totalmente concentrada em seu trabalho, e não olha o espectador, ao contrário do que acontece em outras obras do pintor. A mesa coberta com um tapete escuro, sobre o qual descansa um travesseiro, faz as vezes de barreira e protege a moça dos olhares mal-intencionados: seu mundo interior é o que realmente importa para ela. Para realizar esta magnífica tela, Vermeer usou uma câmera escura fora de foco. Isso permitiu ao pintor diluir os contornos e fundir as cores. Mais tarde, os impressionistas admiravam esta obra pela magistral aplicação da cor.
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